La creación musical está cada vez más expuesta. Las puertas de los estudios se abren a internet: a los fanáticos, a los haters y al algoritmo, que amenaza con hacer desaparecer a los artistas que no lo alimenten. A finales de julio, el productor inglés Fred again y la banda mexicana Latin Mafia transmitieron en directo el proceso de creación de su proyecto conjunto titulado 9 months & 50 hours. Los músicos se encerraron en un estudio en la Ciudad de México y documentaron en vivo 72 horas de su última sesión. El video tuvo más de 7,5 millones de visualizaciones durante los tres días en los que se emitió.. Seguir leyendo
Transmitir una sesión de grabación se ha vuelto una estrategia habitual, entre la autenticidad y el marketing, la industria debate si esta exposición fortalece o asfixia la creación
La creación musical está cada vez más expuesta. Las puertas de los estudios se abren a internet: a los fanáticos, a los haters y al algoritmo, que amenaza con hacer desaparecer a los artistas que no lo alimenten. A finales de julio, el productor inglés Fred again y la banda mexicana Latin Mafia transmitieron en directo el proceso de creación de su proyecto conjunto titulado 9 months & 50 hours. Los músicos se encerraron en un estudio en la Ciudad de México y documentaron en vivo 72 horas de su última sesión. El video tuvo más de 7,5 millones de visualizaciones durante los tres días en los que se emitió.. En la propia transmisión anunciaron un concierto para el día siguiente: las 20.000 entradas se agotaron en cuestión de minutos. La exposición del proceso creativo —las ideas, los errores, las conversaciones, incluso los momentos de frustración— funcionó como la publicidad perfecta. Para algunos fans del DJ británico, ver la producción en tiempo real los hizo sentir más cerca del artista: “Te hacen sentir parte del proyecto”. Sin embargo, para otros, la vulneración de la intimidad del músico, el acecho de las cámaras y la distracción que generan pervierte un proceso de creación cuyo foco exclusivo solía ser la música.. Más información. El divulgador cultural y exdirector creativo en Primavera Sound, Frankie Pizá, expone que, si un artista está sometido a un régimen de presencia permanente en las redes sociales, el proceso creativo “se ahoga a sí mismo”. “En cuanto pones a grabar una sesión, tu destreza cambia. No me refiero a que nada sea falso por ser documentado, pero sí aparece una segunda capa de conciencia”, expone vía correo electrónico. El “creador de contexto” —como se define, por su labor de aportar entendimiento y significado a los contenidos en redes— añade que la hiperexposición modifica la manera de actuar del artista, que sabe que está siendo observado y que lo que muestra debe resultar interesante: “Esto genera polivalencia, precariedad y distracción de lo verdaderamente importante”, que es hacer música.. Para el presidente de la Unión de Músicos, Guillem Arnedo, la tarea del artista nunca se ha limitado a componer y tocar, pero lamenta que cada vez se les exija más trabajo —y sobre todo más productos— para sacar adelante sus proyectos. “La energía tiene que estar en la música”, subraya. Como músico de jazz, asegura que entregar su mejor versión exige una inmersión total, sin distracciones. Arnedo sitúa en la pandemia de la covid y la ausencia de conciertos el momento en que la exposición constante empezó a parecer necesaria.. Sin embargo, esta exhibición en redes sociales no paró cuando la pandemia terminó. Este tipo de contenidos continúa en auge debido a un factor agregado: la desconfianza que sienten las audiencias ante la música creada por inteligencia artificial. El mostrar el trabajo de artesanía musical comenzó a tener un valor que antes no estaba en juicio. Y ese valor no solo se remitió a la apreciación del público a una obra, sino a un valor económico que supone comercializar más productos anclados a un tema o a un álbum.. ¿Autenticidad o marketing?. Para el jefe de Innovación en la Sociedad de Artistas AIE, Alberto Arenal, la exposición del proceso creativo es una mezcla de ambas cosas. Por un lado, refiere que mostrar el cómo se hace la música es una búsqueda de autenticidad ante las audiencias. En un momento en que parece que la IA ha aplanado todas las experiencias y “que pone en duda hasta qué punto la persona ha intervenido, es una manera que tienen los artistas para demostrar talento”. Habla además de una nueva forma de elevar la música como un arte que, ante las herramientas actuales, considera que se ha ido degradando: “Cada vez escuchamos más música como un ruido de fondo”.. En el otro lado de la ecuación, reconoce que existe una lógica de comercialización que ahora comienza a la par que la propia producción. En el caso de artistas de renombre, como una oportunidad de afianzar a sus audiencias más cercanas, a quienes llama “superfans”. Frankie Pizá advierte que esta dinámica de entretenimiento constante de losfanáticos puede resultar incluso contraproducente para los artistas. Afirma que crear “un multiverso” de contenido alrededor de un acontecimiento da un poder inaudito a la audiencia, con el cual el proceso creativo comienza a quedar en las manos de otros: “Todo el movimiento mediático se acaba igualando con cualquier output creativo supuestamente más costoso, y parece que a veces los artistas sacan música para que la conversación no decaiga a su alrededor”.. Pizá distingue la autenticidad de la visibilidad. Argumenta que ver cómo se construye una canción, las referencias y el origen de los sonidos, no es una prueba de lo auténtica que es la música, ni de la creatividad de los artistas: “Es posible que esa autenticidad acabe siendo preformada o diseñada para engañar a los detractores”. Guillem Arnedo, de la Unión de Músicos, resalta que en la música lo verdaderamente importante es la originalidad, más allá de lo que se pudiera mostrar como auténtico: “Las influencias, lo trabajado con sustento y fundamento, y un discurso que se va desarrollando con el tiempo, eso es lo distintivo de fondo”.. “Yo quiero motivar a otros”. Presentación de Los Indocumentados en Casa México, en julio de 2026.Imagen cedida. Royer Rodríguez, líder de Los Indocumentados, una banda emergente de neocorridos —una mezcla del corrido tradicional mexicano con estilos alternativos— en Madrid, destaca un aspecto que va más con una fibra de comunidad: “La historia de hacer esto es motivar a otros, a la gente más joven, a gente que nunca se haya atrevido y se encuentre con personas similares a ellos”. Con “esto” se refiere a un disco producido en el estudio de un músico mexicano también afincado en la capital española, un detrás de escenas del proceso de creación, un álbum de fotos analógicas que tomó durante las sesiones semanales, una película que presentará el concepto del proyecto —que se exhibirá junto al lanzamiento del disco— y un documental posterior.. Rodríguez admite que convertir la creación de un álbum en cinco productos distintos puede “sonar loco”, pero defiende que, al hacerlo todo de forma autogestionada, necesita toda la exposición posible para llegar a más público. “Si pudiéramos, no hubiéramos hecho todo esto, pero al menos para nosotros es necesario. No tenemos a nadie detrás, no había mucho presupuesto, ni un sello ni una disquera”, apunta. El músico solo quiere mostrarse tal como es y, con suerte, que algún día hacer música se convierta en su único trabajo.
